Textil als künstlerisches Material

Kristin Schrader: Die Programmatik beider Häuser mit ihren Schwerpunkten Skulptur und Malerei hat sicherlich den Fokus geschärft für Positionen, die in der Kunstgeschichte wesentlich mit Textil als Material beide Gattungen weiterentwickelten. Zum Beispiel die französische Künstlergruppe Supports/Surfaces, die in den 1960er Jahren die Bildlichkeit über die Materialität untersucht hat. Da gibt es beispielsweise bei André-Pierre Arnal keinen Keilrahmen mehr, Stoffe werden gerissen, gefaltet, besprüht und hängen lose. Die Komposition ergibt sich nicht mehr allein aus dem Farbauftrag, sondern aus der Handhabung des Stoffs und dessen Eigenschaften. Gérard Deschamps hat als Vertreter des Nouveau Réalisme für seine Bilder die Farbe durch industrielle Stoffe ersetzt und etwa Tücher und andere Textilien zu Bildern geknüllt oder Alltagsstoffe miteinander vernäht, um sie anschließend auf einen Keilrahmen zu spannen. Im Bereich der Skulptur sind die Soft Sculptures von Claes Oldenburg aus den 1960er Jahren wesentlich. Oldenburg hat den zutiefst widersprüchlichen Begriff geprägt und Alltagsobjekte als Stoffhüllen genäht, sie gefüllt, allerdings nie bis zum Bersten prall, so dass sie nicht allein unförmig und in ihrer Form unabgeschlossen sind, sondern vor allem schlaff erscheinen. Da ist Oldenburg natürlich im ästhetischen Diskurs seiner Zeit und mit dabei die Bildhauerei auf den Kopf zu stellen. Dazu gehört auch, Geschlechterstereotype zu unterwandern: Oldenburg schreibt in einem seiner Texte bezüglich seiner Arbeiten von „medikamenteninduzierten Impotenz“. Für eine kunstgeschichtliche Betrachtung des Textilen durfte in unserer Ausstellung auch die sogenannte Fiber Art der 1960er und 1970er Jahre in unserer Ausstellung nicht fehlen. Es handelt sich um eine Entwicklung, bei der die Arbeiten von Künstlerinnen und Künstlern, die das textile Handwerk zumeist an Hochschulen für Gestaltung erlernt haben und äußerst selbstbewusst, teils monumental Raum ergreifen. Wir haben ein ganz wundervolles großes Werk von der Grande Dame der Fiber Art Magdalena Abakanowicz. 

Neben diesen stärker auf die Materialästhetik gerichteten Schwerpunkten, die immer auch die Gattungsgrenzen austesten und erweitern, gibt es Einzelpositionen, die besonders eindrücklich einige der vielen verschiedenen Bedeutungen des Textilen befragen. Und die zeigen, warum das Textile heute nicht allein interessant, sondern inhaltlich virulent ist. Da geht es um Fragen der Produktion hinsichtlich der Abhängigkeitsverhältnisse, um koloniale Ausbeutungs- und Gewaltstrukturen. Es geht um ökologische und konsumkritische Aspekte. Positionen wie Marion Baruch, Yinka Shonibare oder Michelangelo Pistoletto reflektieren diese Themen. Ein anderes großes Feld haben wir schon angesprochen: die Gleichsetzung des Textilen mit dem Weiblichen. Neben dem Material und seiner handwerklichen Gestaltung geht es da natürlich auch um die Frage des Körpers, seine politische und erotische Selbstbestimmung innerhalb verschiedener kultureller Kontexte. Die kurdischstämmige Mehtap Baydu, Farzane Vaziritabar aus der Iranischen Republik, Kresiah Mukwazhi aus Simbabwe und Anna Eisermann, die auf der Krim aufgewachsen ist, sind Künstlerinnen, die stark ihre Herkunft und die gesellschaftlichen Zuschreibungen an sie als Frauen thematisieren. Es geht um patriarchale Strukturen, die Erfahrung gesellschaftlicher Gewalt, aber auch das Erheben der eigenen Stimme, die Rückeroberung der eigenen Erotik. Mehtap Baydu strickt in einer Videoperformance um ihren entblößten Leib einen Kokon aus dem Stoff zerrissener Oberhemden, die ihr zuvor von Männern geschenkt wurden, die sie aus ihrem Alltag kennt. Die getragenen, ungewaschenen Kleidungsstücke werden für die Künstlerin zu einer schützenden wie verbergenden Hülle, was ein sehr starkes Bild Chancen und Begrenzungen einer Gemeinschaft ist. Auch die Kopftücher in Farzane Vaziritabars Arbeit One of Many sind Geschenke. Die Tücher wurden allesamt von Frauen getragen, was für Vaziritabar ungemein wichtig ist. Denn ihre Geste, die Tücher auf Stickrahmen zu spannen und sie mit dem eigenen Antlitz zu bedrucken, wird von der Künstlerin nicht als Negation des Kopftuchtragens verstanden, sondern als Plädoyer für eine Entscheidungsfreiheit, die aktuell mit größter Brutalität unterbunden wird. Von der sexuellen Gewalt bis hin zum Femizid handeln die Arbeiten von Kresiah Mukwazhi, bei denen Stofffetzen und -fragmente sprechend sind. In Mukwazhis Arbeiten ist aber immer auch das selbstbewusste Besitzergreifen der eigenen Sexualität ein Thema. Diese Positionen sind konzeptuell und formal unheimlich stark. Sie sind aber auch deshalb enorm wichtig, weil wir als Ausstellungsmachende in der Verantwortung stehen unseren Blick über die westeuropäische Kunstgeschichte hinaus zu weiten oder aufzusprengen und anderen Kunstgeschichten Raum zu geben.